Liste des groupes Death Symphonique Lorna Shore I Feel the Everblack Festering Within Me

Il y a des groupes qui se contentent d’évoluer dans leur niche et d’autres qui repoussent les frontières jusqu’à redéfinir un genre. Lorna Shore appartient sans nul doute à cette seconde catégorie, celle des formations capables de transformer la violence brute en une expérience quasi mystique. Les Américains ont parcouru un long chemin depuis leurs débuts deathcore encore hésitants. Leur trajectoire s’est forgée dans les tourments entre des changements de line-up, une recherche d’identité et des explorations stylistiques … jusqu’à ce qu’une rencontre décisive fasse définitivement basculer leur destin.
L’arrivée de Will Ramos en 2021 a marqué un tournant, un frontman dont la voix semble tout droit sortie des profondeurs de l’abîme, une capacité de passer du growl le plus abyssal aux hurlements spectraux avec une précision inhumaine. Autour de lui, Adam De Micco, un des guitaristes et le cerveau musical du groupe, a bâti un univers qui conjugue la rusticité du deathcore, la solennité du black metal et la démesure du symphonique pour signer un son à la fois baroque et apocalyptique où chaque note semble ciselée dans le chaos.

C’est avec Pain Remains (2022) que le quintet a atteint l’apogée de cette métamorphose grâce à un disque dantesque, cathartique qui a transcendé les codes du metal extrême pour toucher à quelque chose de profondément humain entre la douleur, la perte et la beauté dans la destruction. Les trois actes finaux ont permis de former un requiem flamboyant, une fresque sonore à la fois grandiloquente et sincère où les orchestrations épiques se fondent dans une brillance émotionnelle rarement vue dans le genre. Cet album n’a pas seulement consacré le collectif américain puisqu’il semble avoir placé la barre si haut qu’il semble presque impossible désormais de la dépasser.

Et c’est précisément là que naît la tension autour de leur nouvel opus, I Feel the Everblack Festering Within Me. Comment écrire une suite après une telle déflagration artistique ? Comment réinventer la tragédie sans la répéter ? Le titre lui-même semble répondre puisqu’il nous plonge encore plus profondément dans les abysses et explore avec une intensité nouvelle la part d’ombre que le précédent ouvrage ne faisait qu’entrevoir. Ce qui demeure admirable de la part des artistes, c’est cette capacité presque enfantine d’allier une fureur surnaturelle à une poésie symphonique à fleur de peau. Le groupe ne se contente plus d’empiler des riffs massifs ou des breakdowns ravageurs puisqu’il sculpte désormais sa brutalité et la chorégraphie. Chaque assaut sonore est contrebalancé par un sens aigu de la mélodie porté par des arrangements orchestraux d’une densité remarquable et des solos de guitare d’une expressivité sensationnelle.

L’ouverture Prison of Flesh en est l’illustration parfaite. Dès son premier coup de pinceau, nos musiciens condensent tout ce qu’ils savent faire de plus extrême, à savoir un instrumental oppressant, une prestation vocale dévastatrice, un rythme implacable mais aussi une architecture émotive qui fait toute la différence. Derrière cette déferlante de rage, on perçoit une fragilité, une peur viscérale de perdre pied. Au-delà de la puissance du deathcore, la composition prend toute sa force à travers un lyrisme personnel, une transformation du spectre de la démence en une métaphore universelle, celle de la perte de soi et de la désagrégation de l’esprit. Le titre se clôt sur un breakdown dantesque, un passage où les notes, les cris et les silences sonnent l’inéluctable déclin.
Si le tableau oscille entre hostilité et ardeur, il offre également des récits introspectifs où l’effervescence laisse davantage la place à la mélancolie et à la vulnérabilité, à l’instar de Greenwood. Le morceau se distingue par une orchestration soignée et un riffing doux-amer chargé de nostalgie. Véritable exutoire pour une relation père-enfant compliquée, le temps perdu et les occasions manquées, la tristesse s’exprime à travers des passages où tumulte et combativité cèdent la place à des instants suspendus. Les guitares et le chant se mêlent pour peindre les peines et les regrets avec une intensité bouleversante.

Certaines pistes impressionnent aussi par leur souffle épique et leur dimension symphonique. Lionheart pousse encore plus loin l’intégration des éléments orchestraux et des chœurs et utilise ces derniers non comme un simple ornement mais comme un véritable vecteur d’émotion et de narration. La mélodie illustre la capacité des Américains à fusionner agressivité titanesque et élan vocal mémorable pour créer une fresque sonore qui transcende la hargne brute pour toucher à quelque chose de quasi spirituel.
A l’inverse, plusieurs passages « expérimentaux » s’avèrent assez décevants et dénotent par rapport à l’ensemble de l’album. Avec ses riffs chromatiques et son inspiration thrash/death traditionnel, War Machine peine à capturer l’essence qui rend les autres compositions si captivantes. De même, sa production moins nuancée renforce cette impression d’inachèvement et contraste avec la richesse orchestrale et les arrangements complexes. Le brutalité reste mécanique et les rares résonances mélodiques ne parviennent pas à gommer cette parenthèse où la magie du groupe semble momentanément suspendue.

Heureusement, ces quelques erreurs de parcours seront vite oubliés à l’approche du final Forevermore. Véritable couronnement du disque, cette pièce de près de dix minutes est un voyage sonore qui combine déchaînement monumental et gravité émotionnelle. Les premières notes invoquent une atmosphère majestueuse où les orchestrations se déploient comme un voile solennel sur des riffs mystiques et des lignes vocales spectrales mariées au chant déchirant de Will Ramos. Le morceau impose une tension presque dramatique qui se développe au fur et à mesure du temps et qui oscille entre rancœur et souffrance, entre cruauté et beauté. Là où certaines chansons se contentent d’impressionner par leur pugnacité, celui-ci transcende la vision du deathcore symphonique grâce à un bel équilibre entre technique et émotion. On ressent tour à tour la détresse, la révolte et la grandeur tragique qui nous laisse le souffle coupé et qui scelle l’opus comme une expérience totale, à la fois écrasante et bouleversante.

I Feel the Everblack Festering Within Me est un album qui confirme la stature de Lorna Shore comme l’un des groupes les plus audacieux et fascinants du metal extrême contemporain. Il impressionne une nouvelle fois par sa capacité à conjuguer violence inouïe et sensibilité émotionnelle pour nous offrir une recherche sonore à la fois écrasante et humaine.
Si l’ensemble séduit par sa densité, sa richesse orchestrale et sa virtuosité instrumentale, certains passages montrent que l’expérimentation n’est pas toujours maîtrisée et que l’équilibre entre agressivité et mélodie peut parfois vaciller. Ces petites failles, loin de ternir l’ouvrage, contribuent même à humaniser le projet et rappellent que le quintet américain continue de repousser les limites de son art.
Ce cinquième essai marque ainsi une nouvelle plongée intense et ambitieuse dans l’univers du collectif, où la technique, la dramaturgie et l’émotion se rencontrent pour créer un ensemble cohérent et marquant. Il permet également de réaffirmer une volonté de défier les codes du genre et de livrer une musique capable de toucher autant par sa puissance que par sa profondeur.